Бура - водите што го капат брегот на свеста - Амфитеатар списание
Неделен театарски магазин Бр. 58/11 ноември 2020 година
„Улогата на уметникот е да поставува прашања, а не да дава одговори“ - (А.П. Чехов)
На 24 септември 2019 година, во Националниот театар Клуж-Напока, се одржа првиот преглед на претставата „Бура“ од Вилијам Шекспир, во режија на Томпа Габор.
Томпа Габор е значаен режисер чии пребарувања имаат обем, сила и сјај на тој вид анализа што може да предизвика откривање. Неговите настапи целосно го демонстрираат тоа. „Иона“, неговата последна сцена на театарот Ноттара во копродукција со Унгарскиот државен театар во Клуж, кажува нешто суштинско за улогата на уметноста во големата егзистенцијална осаменост на човекот одвоена од божествената; и иако тој никогаш не може да оди надвор, туку само од еден простор до друг, тој никогаш, никогаш, не е сам, затоа што со себе го има гласот на својот збор, да ги користи зборовите на Пол Клодел.
Во моќта на човекот да создава е најголема сличност со Бога. И тоа ни дава надеж да откриеме дека многу посакувано надвор може да се открие внатре. Драматичните валенции со кои режисерот го заврши сорескиот монолог, како што е персонификацијата на просторот преку ехо-жената, песната-жена, ми се чинеше восхитувачки пронајдена.
Затоа, отидов на оваа нова претстава со големи очекувања, претскажувајќи театарски настан. Но, бев збунет и еве зошто.
И кралот, и количката
Во „Бура“, Томпа Габор ја истражува бездната и тоа го прави со прецизноста на вистинскиот трагач од лавиринтот. Детално е распадот на битието, но не и неговата величина. Резултатот е агломерација на сенки, асиметрија што не е во духот на работата на Шекспир. Размислувам тука за ритамот на сцените, за значењето што произлегува секоја од нив во одличната конструкција на претставата и за значењето дадено дури и на ниво на сценското време. Оти она што го видов е хиперболизација на злото. Преку оваа намерна или неурамнотежена нерамнотежа, приказната има пристап до големината блокирана, а публиката исто така ја доживува оваа опструкција.
Долга се дискутира за тоа колку сцената може да си дозволи да го искористи драмскиот текст како почетна точка за претставата, особено кога станува збор за титан како Шекспир. Некои мислат дека можете да промените, да исечете многу, останувајќи верни на духот на авторот. Јас сум на мислење дека, дури и ако се направат промени во текстот, верноста по дух е поважна.
Помеѓу бездната и простувањето
Може да се пристапи кон монументалното парче како „Бура“ со воодушевување и loveубов, а во Томпа Габор може да се почувствува радоста од спојувањето со Шекспировиот текст; задоволството од хумор е заразно (сцените со Тринкуло), сцените на отворањето се силни, визионерски, ветувачки.
Но, премногу истражувајќи ја темната страна на приказната, сенката, режисерот се чини, како што реков, да го изгуби од вид присуството на светлина. Или, ако се нурнете во бездната, потребно е да ја претставите големината, ако е присутна непристојната, тогаш е соодветно, напротив, да се претстави возвишено. Инаку, публиката не може да ужива во суштината на Шекспировата претстава. Ниту пак останува пораката дека прикажаното зло е само несреќа. Не случајно враќањето на редот е запечатено со убовта на двајцата млади луѓе.
Создавање ритам даден од мултимедијалните проекции, типични за фантастичните филмови, во комбинација со ладно-минималистичката строгост на костумите, познати на јавноста од продукцијата на одличните дела, ликовите од „Фуртуна“ се споени во претстава со космички пропорции. Откриена ни е филмска топографија, проекции на планети, астероиди, сонца; стихинското потчинување што се прави во и преку уметноста, се гледа себеси како магичен чин.
Во режисерскиот рез предложен од Томпа Габор, се издвојува макабриот. Уметнички репродукции поврзани со насилство - бунт на стихинистичките сили, на смирувачки (сцена 2 од чин 2: Калибан, Тринкуло и Стефано, заговор за убиство на Просперо) пукна со егзархија, ретка визуелна суровост и оваа мешавина на насилство и космичка тие будат ужас и чувство на залудност.
Проекциите на панелите во бела позадина, на пеколно-гротескната изработка на некои зголемени фрагменти од сликите на Хиеронимус Бош, се користат преку новата технологија што се користи…, анимирани (sic!). Ова визуелно-пеколно бомбардирање, повторено и многу продолжено, претставено како можен одраз на колективната потсвест, ако има за цел да шокира откривајќи ја состојбата на страшно распаѓање во која се наоѓа светот, се чини дека ја надминува својата цел, затоа што, всушност, придонесува за она што првично имало за цел да го открие, во една страшна, мрачна превртена бура. Филтерот на современиот свет вклучен во претставата не треба да го занемарува сидрото на Шекспир.
Решенијата пронајдени за истражување на бездната се софистицирани, сложени, нијансирани, а другиот дел од loveубовта останува само наведен, претставен линеарно. Loveубовта во претставата повеќе личи на аранжман, а не на огромна сила. Иако еве што вели самиот режисер за „Бура“:
Претставата е „за двојноста на човечкото суштество. Затоа што има борба внатре во овој лик (Просперо - н.а) и не само, туку, на некој начин, и на сите ликови. Никој од нас не е роден добар или лош. Сите имаме еднакви шанси. Така Бог нè создаде. Сè зависи од тоа како судбината и ние самите управуваме со овие сили. Иако е жртва на тиранија, Просперо е принуден да стане тиранин. Оваа рута може да ја следи секој од нас ... Од оваа гледна точка, тоа е длабоко христијанско парче. Не може да се сфати поинаку. Тоа е, врховната заповед: loveубов и прошка “.
Или, самиот алхемиски пресуден ефект на прошка не се чувствува на крајот на шоуто. Не можете да оставите „длабоко христијанска“ претстава со горчина. Присутен е, вистина е, во текот на целата претстава симболот на божественото око, некогаш отворено, некогаш затворено, што луѓето повеќе не го перципираат, одвоено од врховната свест, што сепак не престанува да ги штити. И Просперо простува, вистина е, но ослободувањето на крајот недостасува, чувството за нарачка барем привремено вратено. Магијата на убовта и моќта на простување не се видливи во ова поставување.
Постојат неколку прекрасно артикулирани сцени во шоуто: бродоломот од самиот почеток, преку употребената мултимедијална техника, има отворена перспектива, сумирајќи ја целата просторија скоро; многу посебна е ироничната клучна сцена во која ликот Тринкуло се појавува со чадор, пеејќи „Пеејќи на дожд“ - робустен и рафиниран стрип во исто време.
Убава е и прошетката на бродоломните благородници, чии контури се рефлектираат на панелите како во театар со сенки или на оној во кој Ариел се спушта во калта врз узурпаторите Тринкуло, Стефано и Калибан, што ги прави буквално да исчезнат од сцената. . Во споредба со целото, тие изгледаат како добро пронајдени претреси, но се губат во одличното ткиво на шоуто, затоа што ги следат нагли промени на стилскиот регистар: комична шега што веднаш пропаѓа во ужас, радост во непристојна фрустрација.
Помалку успешни беа проекциите за Сикоракс и оние за божиците Церес, Ирис и Јунона, во кои главите се појавија во позадината премногу големи, премногу сурови како снимањето, без никаков филтер во боја, не оставајќи впечаток за магија на големиот магионичар.
Тивкото око среде бура
Каде се случува ова невреме? Можен клуч за толкување даваат зборовите на Просперо, кога бродоломците ќе се соберат заедно на крајот од претставата: „Нивното размислување згаснува, протокот/наскоро ќе ги измие бреговите на свеста/кој сè уште е полн со алги и кал“. (чин 5, сцена 1). Всушност, има неколку бури: онаа што го натера Просперо да стигне до островот, потоа онаа што ја постави волшебникот, со помош на Ариел, преку која узурпаторите на Просперо стигнуваат до островот.
Бурата, сугерира режисерот, всушност се одвива во свеста, ликовите се принудени да се фрлаат во матните води на сопствениот ум, стравови и лудило, завист и страшни, криминални импулси во нивната потсвест. Тоа е средба на секој од нас со сенката, одвоена во платонската пештера, алегорија на очигледниот свет. Ова е она што ги објаснува застрашувачките слики споменати погоре, кои дури и така изгледаат неоправдано насилни.
За човекот, по својата природа, е исто така суштество на светлина, аспирација и убавина. Бурата е исто така и на Просперо, кој потчинувајќи ги елементите, но немајќи еднаков на лицето, ја буди за да може да прости или да се одмазди. Тоа е негово потопување, избор и спас. Но, невремето му припаѓа и на режисерот, кој нурка во Шекспировиот текст за да најде свои одговори, некои полни со волшебност, но што е најважно, полни со горчина. Што е несреќа во Шекспир, во Томпа Габор станува позадина.
Идејата со која започнувате од „Фуртуна“, сега монтирана во Клуж, сега е општ пад, тотален бестијариум и излезот од него, доколку има шанси, е делумна, привремена и илузорна. Недостасува величина, возвишеност, одред. Интелектуалниот предизвик е присутен, но не и воодушевувањето, радоста. И, ако младите дојдат да ја видат претставата како што е сега, ќе им биде прикажан Шекспир што не постои.
Скокот што го заслужува
Марсел Иреш се враќа на сцената во Клуж, каде дебитираше во декември 1978 година во стаклената столица на Тенеси Вилијамс. Во своето толкување, Просперо е парадоксален волшебник, кој ги потчини стихинистичките сили, но останува роб на сопствената меланхолија. Неговата игра ги отсликува дилемите и човечката кревкост на неговиот карактер, одликувајќи се со многу рафинирање.
Во толкувањето на Миранда од Санзиана Тарша се чувствува потребата подлабоко да се допре вената на овој лик - искреност, чудо.
Матеи Ротару одигра неинтузијастичен Фердинанд. Играта на двајцата нема подигнувачки пламен што гори нечистотии и му враќа на светот хармонија, добрина и убавина. Заштеда на loveубов не само на оние кои Просперо ги малтретира, туку и на самиот Просперо, па дури и на кој било од нас кој открил сопствени изобличувања во приказната на Шекспир.
Анка Хану има незаборавна улога како Ариел. Тој е елегантен, разигран, со ретка суптилност. Нејзиниот глас, понекогаш шепотеше, понекогаш мрмореше, понекогаш писклив, харпи, беше сеприсутен, етеричен и дозиран. Всушност, целото шоу се базира на играта на двајцата, волшебникот Просперо, кој ја оркестрира приказната чекор по чекор, потчинувајќи ги силите на природата, но без да ја продаде својата душа, како Фауст и Ариел кој ги почитува неговите команди, помагајќи конечно да им прости на оние што го узурпираа. „Да бев маж, ќе омекнев“, вели тој.
Сценската игра на Ариел е, без сомнение, најубавата и најбогатата со нијанси во ова шоу. Сепак, мора да се каже дека актерката ја исполнува сцената сама и затоа што е единственото суштество претставено во светот на основните. Режисерот се одлучи за оваа економичност на средства, но она што го добива е простор не празен, вибрирачка магија на енергија, туку вакуум. Духовите што населуваат според традицијата, невидениот свет на воздух, земја и вода, наиди, наиди, океани, нимфи, џуџиња - толку изобилно и заносно прикажано во Книгите на Просперо, сценариото по „Бура“ од Питер Гринавеј, се сумирани само овде Ариел. Тој сам претставува свет и го прави прекрасен.
Можеби, всушност, тоа е израз на болката што ја доживува режисерот гледајќи го спектаклот на распаѓањето на овој свет, на зачуденоста и очајот предизвикан од внимателно испитување на механизмот на злото. Но, уметник по раст на Томпа Габор има мисија да и ја покаже на јавноста целосната слика за величината, да постигне рамнотежа и возвишеност во сопственото битие и во текстот. Би било причина за жалење гледачот да замине со темна порака и состојба на превирања, кога може да замине со небото отворено во срцето.
Сценографијата на Карменсита Бројбои е застрашувачка. Уметникот има посебен талент за конкретизирање на невидливи планови. Тие не само што стануваат достапни, туку се откриваат со незаборавен интензитет преку решенијата што ги создаде.
Како се чувствувате за „Бура“ во режисерската визија на Томпа Габор? Чувствувате дека - како што се појави на овој преглед, сè уште во тек, така што на шоуто му треба емотивната, естетската, драматичната, духовната тежина, од друга плоча. Ви недостасува оваа Бура што ги рефлектира не само бездните, туку можеби дури и поинтензивно, простувањето, loveубовта и штедливата моќ на убовта.
Народен театар Клуж Напока
"Невремето" од Вилијам Шекспир
Превод на Нина Касијан и Раду Ничита
Режисер Габор Томпа
Сет и носии: Карменсита Бројбои
Музика и дизајн на звук: Лусијан Бан - освен „Космос“ на Вангелис (повторно оркестриран од Лусијан Бан) и „Барокен апартман за гудачки квартет“ (анонимен)
кореографија: Јакаб Мелинда
Дизајн на видео: Раду Даниел
Помошник-директор: Теофил Паша
Дизајн на осветлување: Enенел Молдавец
дистрибуција:
Просперо: Марсел Јуреш
Фердинанд, син на Алонсо: Матеи Ротару
Алонсо, крал на Неапол: Јоан Исаиу
Антонио, брат на Просперо: Căt Herlin Herlo
Фото: Нику Черсиу